Arturo Saavedra (kzhope)

Il Dicameron es una cinta italiana dirigida por Pier Paolo Pasolini. Se trata de una desinhibida comedia negra dividida en varias secuencias independientes que comparten solo el tono lujurioso y el escenario napolitano.

La película abre con la historia de un adinerado joven que viaja a Nápoles a comprar caballos y que es engañado por una joven que pretende ser su hermana para despojarle de todas sus pertenencias; por lo que, cuando recibe la invitación de unos ladrones para hurtar los ropajes y el rubí de un clérigo recién sepultado, decide quedarse para él la riqueza como una forma de compensar el daño que había recibido. Los relatos que siguen mantienen el tono jocoso del primero pero van adentrándose poco a poco en el tema de la sexualidad; no como un análisis de ésta, sino como una muestra de la verdadera humanidad en su estado más puro. Es entonces que la Italia medieval sirve de escenario para las desventuras de la esposa infiel de un vendedor de jarrones, un supuesto sordomudo que despierta el deseo de las monjas de un convento, un hombre "piadoso" que desenfrena su sexualidad al enterarse de que no hay castigo por eso en el infierno, un cura tratando de convertir a una mujer en yegua y, entre otros, un terrible criminal que termina por ser venerado como un santo. Todo esto llevando a un pintor en busca de inspiración a la conclusión de que la verdadera virtud no puede ser retratada, sino que existe en todas aquellas cosas que forman la concepción humana más elemental.

Esta obra es, claramente, un filme único, esto debido al uso que se da tanto a los recursos narrativos como a los técnicos. Antes que nada, es importante dejar claro que Il Decameron no es una película erótica; se toma a la sexualidad como uno de los elementos temáticos más importantes y tanto el desnudo como el acto sexual son presentados de forma explícita, sin embargo, el tono humorístico con el que está filmada en su totalidad y el poco énfasis que se hace en el contenido explícito sirven para mostrar a la dimensión sexual como algo natural y no como algo estimulante, sino como algo humano que es visto con sentido del humor por el realizador.

Teniendo esto en mente, es comprensible la decisión de ambientar la acción en la clase baja napolitana, donde no hay grandes acontecimientos, solo gente haciendo cosas. La cinta tiene como eje principal el contraste que existe entre la naturalidad intrínseca de la sexualidad y la hipocresía que hay en las apariencias de la moralidad de la sociedad y la fe. En este marco es que la religión es retratada como un freno innecesario a la conducta natural del hombre y el sexo es más que una dimensión de la realidad humana: es un reflejo integral del espíritu. En el filme, los protagonistas son, en su mayoría, gente del campo que, tras intentar reprimir todo lo que el dogma les ha dicho que está mal, se entregan a eso sin que la culpa subsecuente sea auténtica.

El ambiente creado para la representación de las distintas ciudades medievales que hoy conocemos como italia está logrado de forma asombrosa. La fotografía revela la belleza dentro de los sucios callejones napolitanos y es, por momentos, estupenda y creativa en el uso del color y los planos. La actuación se desarrolla dentro del promedio debido a la selección de actores amateur más que nada por su apariencia.

El montaje completo está constituido para mostrar el lado más alegre de la gente en un periodo de tiempo caracterizado por todo tipo de problemas sociales, para lo que obvia todas las realidades ajenas al sexo y se enfoca al lado más hilarante de este. Sin duda, Il Dicameron es una obra fascinante y un uso muy original del lenguaje cinematográfico para presentar un tema; sin embargo, es necesario decir que la edición no resulta realmente funcional y que la falta de pausas o conexiones entre las distintas secciones de la película hacen la trama demasiado enredada para la simpleza de todas las historias. La dirección de Pier Paolo Pasolini es indudablemente estilizada y logra utilizar la comedia con trasfondo serio de forma notable, aun así, el filme carece de ritmo y por momentos pareciera ir hacia ningún lado.

Pese a esto, Il Dicameron es una cinta placentera en su forma y efectiva en su mensaje, que utiliza escenas bien construidas (el sueño del pintor es una de las mejores que he visto) para resaltar su tono anarquista y anticlerical si caer en excesos.

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Watchmen es una cinta dirigida por Zack Snyder y basada en la novela gráfica laureada de Alan Moore y Dave Gibbons. A pesar de su temática de superhéroes no se trata de un filme de acción o heroísmo; sino que representa una disección ética y conceptual del mito del héroe.

La historia se sitúa en un 1985 alternativo, donde la existencia en Estados Unidos de un superhombre con poderes casi infinitos llamado Dr. Manhattan pone a los bloques beligerantes de la Guerra Fría a punto de la aniquilación nuclear, y nos narra una supuesta conspiración descubierta por el enigmático vigilante Rorschach en la que alguien se ha dedicado a acabar con los superhéroes retirados años atrás por una ley que les prohibía seguir trabajando.

Para ser una película que, en su corte final, se extiende más allá de las tres horas el argumento de Watchmen parece demasiado simple como para resultar interesante. Sin embargo, de entre todas las cosas que describen a este filme, tendríamos que excluir la palabra "simple"; esta obra y su estructura narrativa están formadas por un complejo conjunto desordenado de recuerdos, subtramas e incluso historias contemporáneas con relación casi nula a la cinta.

La fuerza real del filme es el análisis ético y psicológico que se hace de diversos temas, así como la desarrollada personalidad de algunos de los personajes más importantes, sobre todo Rorscharch, Dr. Manhattan y The Comedian. Sin embargo, al ver la película es fácil notar que la genialidad de los diálogos y los planteamientos filosóficos de los personajes provienen directamente de la fuente original y en la adaptación, en lugar de ser llevados más allá de la simple imitación son reducidos lo más posible y pierden su impacto ante las escenas (exagerado no es lo mismo que estilizado) de violencia y los chistes ocasionales pero totalmente fuera de tono.

Cada personaje de la historia es sustentado por un código moral propio y opuesto a los de los demás, aquí los superhombres no son modelos de virtud que sirven al mundo por simple gusto sino que son personas comunes que utilizan sus máscaras y atuendos para refugiarse del mundo, para fundamentar sus creencias o para no sentirse solo uno más.

*Rorscharch es un hombre con una visión firme de la humanidad y la vida, la justicia es su única motivación y no duda en delinquir con tal de castigar a los delincuentes. Sus experiencias en la vida lo llevan a negar la existencia de dios o del destino, por lo que lo que ocurre en el mundo es únicamente culpa del ser humano, por lo que es la obligación del mismo dar todo por la justicia: el único ideal que da significado a la vida de Rorscharch.

*Ozymandias es otra faceta del héroe, un sujeto superior intelectual y económicamente que utiliza todos sus recursos para salvar a los demás. Aunque él solo se preocupe por si mismo no deja de sentir la necesidad arrogante de ser un héroe.

*Dr. Manhattan y The Comedian son los únicos dos personajes conscientes de la irrelevancia del heroísmo o de cualquier acción humana; ambos saben que el camino está escrito y que no lleva a ningún lado. Dr. Manhattan, un ser prácticamente omnipotente, se da cuenta de que, a pesar de toda su fuerza, no deja de ser un simple espectador del tiempo; ésto lo aleja aun más de las personas y, por más que trata de evitarlo, lo hace un ser completamente ajeno a lo que lo rodea.
The Comedian es el que tiene la respuesta completa. La vida, la humanidad y la moral no son más que falacias y él decide ser una parodia de todo ello. Un tipo detestable consciente de que es detestable. Inmoral al extremo para burlarse de la moralidad autoimpuesta del hombre.

Para tener escenas tan estilizadas, Watchmen carece de una dirección de arte o un estilo visual apropiado o al menos congruente con el tono de la historia, las tomas de perspectiva aérea son bien utilizadas y hay un buen manejo de los planos; pero, en general, Snyder se preocupa más por seguir la estructura del cómic que por dotar a la cinta de un estilo propio.
La música original de la película es variada y le da unas pinceladas de personalidad al filme, como también lo hacen los afortunados guiños a la cultura popular de la época.

Los personajes principales, a excepción de la nefasta pareja entre Silk Specter II y Night Owl II, poseen características y motivaciones interesantes que llevan al espectador a relacionar los dilemas éticos presentados en el filme con la realidad diaria; a pesar de esto, las divergencias innecesarias en la trama hacen imposible que se siga el desarrollo de los mismos o que los acontecimientos centrales posean relevancia auténtica.

La edición en el corte final de la cinta es especialmente caótica, la inclusión en segmentos del cortometraje animado The Tales of the Black Frighter no solo no aporta nada a la película sino que entorpece el ritmo y la complica demasiado. El corto es bueno, nada sobresaliente, pero entretenido si es visto como una obra separada; solo falto una esfera verde brillando por ahí para relacionarlo con el clásico ochentero Heavy Metal.

Watchmen es una película sumamente conflictiva pero que puede ser disfrutada por quien sepa encontrar la reflexión detrás de los diálogos y los personajes. El filme es una adaptación fiel y una dirección fallida; sin embargo, con un poco de esfuerzo se puede distinguir en él todo lo que hizo brillante a la novela gráfica.

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Wow... que película tan impresionante; impactante pero indudablemente hermosa. Naranja Mecánica es una historia distópica sobre un joven pandillero, líder de una banda de "droogs" y poseedor de un gusto inmenso por la música (especialmente Beethoven) y por la ultra violencia. Alex es enjuiciado por homicidio, pero decide cambiar una gran parte de su sentancia por la oportunidad de ser sujeto experimental del Tratamiento Ludovico "La Cura del Mal" De algún modo se puede decir que el tratamiento tiene éxito, pues Alex se ve obligado a dejar la violencia, pero a costa de su libertad. La obra maestra de Stanley Kubrick nos pone en una encrucijada ¿Qué es mejor, ser bueno de forma mecánica o malo por convicción? esta película nos muestra a un joven ¿víctima o victimario? ¿enfermo o equivocado?. y se puede resumir el argumento en una frase: Cuando un hombre deja de ser capaz de escoger, deja también de ser un hombre. Palabras sabias de un sacerdote que sin embargo Alex no puede entender debido a que el hombre de fé las enmarca en algo tan obsoleto y tan ausente de significado como la religión; y es que Alex estaba completamente solo, nunca había amado a alguien, ni siquiera a él mismo; y en algún momento de la película es rechazado tanto por sus camaradas como por su única familia. Lo primero que se puede notar de la película es su espléndido poder gráfico, escena tras escena se puede ver la mano invisible de Kubrick tomando el control de luces, patrones y ángulos, creando una simetría fascinante y algunas de las mejores escenas jamás rodadas. La música por otro lado es sublime, siendo parte escencial de la película y embonando perfectamente con todos los demás elementos del filme. No menos impresionante es la actuación, siendo Alex de Large uno de los personajes mejor construidos de la historia del cine, un villano justificado por sus medios y un personaje fascinante producto de un mundo decadente, funcionando además de forma excelente el estilo de narrador en 1era persona que le da fluidez a la película y crea empatía con el protagonista. Una película muy dura, con escenas sumamante explícitas que sin embargo son manejadas de forma tan artísticas que en ningún momento causan repulsión, manteniendo lejos la estética de grupos como el Movimiento Pánico; siendo así, la violencia, un énfasis en el mensaje y no un choque brutal sin ningún sentido más que el estético (aunque también logra estética) Una de las mejores películas que he visto y una pieza que muestra el genio de un hombre como Kubrick, que nació para hacer cine; pieza fundamental de la cinematografía mundial y logro en todos los aspectos. *****

En Der Himmel über Berlin Wim Wenders nos entrega tanto un profundo drama psicológico como el retrato de una ciudad devorada por su pasado y, asombrosamente, los dos funcionan perfectamente como un todo. En esta película alemana se nos muestra a la ciudad de Berlín de los años 80's, donde dos ángeles atestiguan los pensamientos y sentimientos de los habitantes de una ciudad donde las heridas de la guerra aún están abiertas. Damiel, uno de los ángeles, se siente intrigado y fascinado por las cosas más sencillas de la existencia humana y, mientras más entra en contacto con las dudas existenciales y los problemas que aquejan al pueblo en depresión, comienza a desear ser humano. Este deseo se convierte en una necesidad cuando se enamora de una trapecista que, al perder su trabajo, se da cuenta de que su vida no tiene razón alguna; es entonces que Damiel deberá decidir entre su existencia inmortal y perfecta como un ángel "a orillas del río" o la posibilidad de adentrarse en éste y tal vez ser feliz. Técnicamente hablando, Der Himmel über Berlin llega tan alto como el cine mismo ha llegado; presenta una dirección tanto impecable como tangible en cada momento del filme, por otro lado el guión es sumamente sencillo y ronda alrededor de conceptos que parecen inconexos pero que adquieren significado con el transcurso de los acontecimientos, como un poema que relaciona la infancia con la edad adulta y que es recitado por fragmentos durante toda la película. El trabajo de edición funciona bastante bien, aunque la película no está excenta de un toque de redundancia que, sin embargo, es obviado por las demás características de la cinta; entre las que destacan la hechizante fotografía (sepia para las escenas vistas por los ángeles y a color en las que solo aparecen personas), un soundtrack sumamente variado que nos hace sentir en el corazón mismo de la ciudad y actuaciones protagónicas cercanas a la perfección. Más allá del profuno análisis que Wenders hace sobre sus personajes, en esta película se cuestiona la ambiguedad del ser humano, que vive en lo profano rechazando lo sublime y olvida que también en la mundanidad de la vida existe la perfección. Como ya mencioné antes, en el filme se nos presentan las diferencias y similitides entre el adulto y el niño, donde éste está seguro de lo que cree y de quien es. Der Himmel über Berlin reflexiona también sobre el origen de la guerra y, como cada persona se ve a si misma como un país con su propia frontera, la agresión consiste simplemente en acercarse demasiado o en ver a alguien tratar de ser diferente. Pero es hasta la escena final de la película donde tanto el ángel como la trapecistas logran estar juntos al estar solos, cambiando su colectividad por individualidad. El mensaje principal de la película, sin embargo, nos dice que la vida tiene valor por cosas que normalmente ignoramos, por lo que si en lo mayor eres ínfimo en lo pequeño puedes hallar la grandeza. En conjunto, tenemos frente a nuestros ojos una de las mayores joyas del cine europeo de hace unas décadas, una película que se aleja de pretensiones superfluas y muestra sus reflexiones con arte y poesía en cada imagen y en cada palabra. *****