Arturo Saavedra (kzhope)

Nota: Debido a que la versión que vi de ésta pelìcula estuvo acompañada en vivo por el grupo mexicano Nine Rain; compositores de un soundtrack original que complementa perfectamente los temas y ritmo de la pelìcula, que además es dotada de aún más misticismo del que lograba la música original; es posible que mi calificación se vea afectada favorablemente.

Que viva México es ua película muda dirigida por Sergei Eisenstein y que, por diversas razones, quedó inconclusa; tanto un documental como una película de ficción, podría considerarse por momentos una crítica social, pero se sacude la etiqueta para contar una historia donde los protagonistas son solo distintas encarnaciones de lo que fue, es y será el mexicano.
La película está dividida en un prólogo, tres episodios independientes (más uno no grabado), y un epílogo.

En el PRÓLOGO podemos ver un recuerdo del México prehispánico, donde se nos muestra al mexicano adorador de la muerte, temeroso de ella y aferrado a su esencia sin posibilidad de cambiarla en ningún momento; es un inicio favorable debido a la calidad de las imágenes tomadas, reflejo impresionante de la tradición mesoamericana.

El primer episodio de la película se llama SANDUNGA y presenta las tradiciones de las mujeres en edad de matrimonio que viven en el Istmo de Tehuantepec; narra la historia de una joven llamada Consuelo y su camino para llegar a ser la matriarca de su nuevo hogar; se nos muestra un lugar donde el tiempo es irrelevante y las tradiciones están tan arraigadas que suplantan a la esperanza de transformación.

Entre el primer y segundo capítulo podemos ver una de las escenas más interesantes del filme, en 12 de diciembre cientos de indígenas suben un cerro de rodillas, algunos más suben con cruces clavadas a cuestas y todo esto ante los ojos de los curas, convencidos de haber hecho bien su "siembra" de catolicismo entre la gente de su nueva colonia; pero es curioso el planteamiento que Eisenstein nos presenta, ¿Será que los indígenas hagan eso en honor a la virgen, o será solo un nuevo nombre para el culto a su antigua diosa? el director soviético se cuestiona una vez más sobre que tan aferrada a las tradiciones del pasado es la gente de México, que por más sangre y destrucción permanecieron renuentes a cambiar.

El segundo episodio se llama FIESTA y desarrolla la tradición de la fiesta brava, este episodio presentaa una escena técnicamente compleja desarrollada a la perfección, y compara el ofrecimiento del sacrificio del toro a la virgen de parte del torero con los antiguos sacrificios a la Madre de los Dioses, por lo tanto el mexicano ahora cambia, pero solo en apariencia porque en el fondo aún es temeroso de la muerte .

El tercero lleva por nombre MAGUEY y se desarrolla en una hacienda porfiriana, donde un peón trata de vengar la deshonra de su prometida y es ajusticiado junto con sus compañeros, en este capítulo el protagonista se ofrece a sí mismo, no duda en poner en riesgo la vida con tal de luchar por lo que le importa, por su ideal, esto es lo que llevaría al siguiente episodio.

La cuarta parte hablaría sobre la revolución y llevaría el nombre de SOLDADERA, sin duda se continuaría con la muestra del proceso de cambio que tiene el mexicano en su relación con la muerte, este capítulo no fue grabado.

Todo se resume en el epílogo, donde se nos muestra los festejos del Día de Muertos, y vemos al mexicano sin máscaras, que ha evolucionado a lo largo de su historia y que ahora se burla de la muerte en lugar de temerle, es en escencia el mismo que le rendía culto y que le ofrecía sacrificios (incluso coexisten estas prácticas) pero el camino de su gente a lo largo de la historia le han dado la oportunidad de cambiar para continuar caminando.

Una película totalmente satisfactoria que, a pesar de no ser un documental en el sentido estricto, logra mostrarnos la compleja dualidad de la cultura mexicana, el corazón del país mostrado sin tapujos y crítica social que no llega al regaño.

Que viva México es una joya del cine mundial y una película indispensable para quien gusta del buen cine, si bien es cierto que la película es un logro de tres, es obvia la mano de Eisenstein sobre las de sus compañeros, la fotografía incluso es bien pensada aunque no totalmente realizada.
La abuelita del cine mexicano, que enaltece a la cultura desde el pasado hasta el presente y que presenta características visuales y temáticas que se conservarían hasta los años 60's.

****1/2

Un musical sobresaliente basado en la puesta en escena de Andrew Lloyd Webber, que combina perfectamente un romance inusual con música impresionante y una dirección de arte fantástica.

Una de las películas más emotivas que he visto sin lugar a dudas, donde el villano resulta ser un genio musical que se aferra a la joven corista Christine, el único rastro de pureza y bondad que ha tenido en su atormentada vida.

Contiene elementos gráficos que recuerdan fácilmente a la Bella y la Bestia (la de Cocteau por supuesto) e incluso la historia recuerda un poco la de esta última, con el "monstruo" enamorado que está dispuesto a sacrificar su felicidad con tal de dar a su amada la oportunidad de ser feliz al lado de otra persona.

La elección de Emy Rossum y Gerard Butler para los estelares puede llegar a ser cuestionada, por un lado Emy Rossum no es una actriz impresionante y Gerard Butler no tiene entrenamiento vocal; sin embargo, la conjunción de los dos en la pantalla resulta espectacular, y si bien la voz de Butler no impresiona a nadie por su potencia, contiene un calor y una emotividad que congelan.

Con ambientes góticos muy bien logrados y una buena dirección, El Fantasma de la Opera resulta una gran adaptación y una película sumamente notable.

****

Wow... que película tan impresionante; impactante pero indudablemente hermosa. Naranja Mecánica es una historia distópica sobre un joven pandillero, líder de una banda de "droogs" y poseedor de un gusto inmenso por la música (especialmente Beethoven) y por la ultra violencia. Alex es enjuiciado por homicidio, pero decide cambiar una gran parte de su sentancia por la oportunidad de ser sujeto experimental del Tratamiento Ludovico "La Cura del Mal" De algún modo se puede decir que el tratamiento tiene éxito, pues Alex se ve obligado a dejar la violencia, pero a costa de su libertad. La obra maestra de Stanley Kubrick nos pone en una encrucijada ¿Qué es mejor, ser bueno de forma mecánica o malo por convicción? esta película nos muestra a un joven ¿víctima o victimario? ¿enfermo o equivocado?. y se puede resumir el argumento en una frase: Cuando un hombre deja de ser capaz de escoger, deja también de ser un hombre. Palabras sabias de un sacerdote que sin embargo Alex no puede entender debido a que el hombre de fé las enmarca en algo tan obsoleto y tan ausente de significado como la religión; y es que Alex estaba completamente solo, nunca había amado a alguien, ni siquiera a él mismo; y en algún momento de la película es rechazado tanto por sus camaradas como por su única familia. Lo primero que se puede notar de la película es su espléndido poder gráfico, escena tras escena se puede ver la mano invisible de Kubrick tomando el control de luces, patrones y ángulos, creando una simetría fascinante y algunas de las mejores escenas jamás rodadas. La música por otro lado es sublime, siendo parte escencial de la película y embonando perfectamente con todos los demás elementos del filme. No menos impresionante es la actuación, siendo Alex de Large uno de los personajes mejor construidos de la historia del cine, un villano justificado por sus medios y un personaje fascinante producto de un mundo decadente, funcionando además de forma excelente el estilo de narrador en 1era persona que le da fluidez a la película y crea empatía con el protagonista. Una película muy dura, con escenas sumamante explícitas que sin embargo son manejadas de forma tan artísticas que en ningún momento causan repulsión, manteniendo lejos la estética de grupos como el Movimiento Pánico; siendo así, la violencia, un énfasis en el mensaje y no un choque brutal sin ningún sentido más que el estético (aunque también logra estética) Una de las mejores películas que he visto y una pieza que muestra el genio de un hombre como Kubrick, que nació para hacer cine; pieza fundamental de la cinematografía mundial y logro en todos los aspectos. *****

En Der Himmel über Berlin Wim Wenders nos entrega tanto un profundo drama psicológico como el retrato de una ciudad devorada por su pasado y, asombrosamente, los dos funcionan perfectamente como un todo. En esta película alemana se nos muestra a la ciudad de Berlín de los años 80's, donde dos ángeles atestiguan los pensamientos y sentimientos de los habitantes de una ciudad donde las heridas de la guerra aún están abiertas. Damiel, uno de los ángeles, se siente intrigado y fascinado por las cosas más sencillas de la existencia humana y, mientras más entra en contacto con las dudas existenciales y los problemas que aquejan al pueblo en depresión, comienza a desear ser humano. Este deseo se convierte en una necesidad cuando se enamora de una trapecista que, al perder su trabajo, se da cuenta de que su vida no tiene razón alguna; es entonces que Damiel deberá decidir entre su existencia inmortal y perfecta como un ángel "a orillas del río" o la posibilidad de adentrarse en éste y tal vez ser feliz. Técnicamente hablando, Der Himmel über Berlin llega tan alto como el cine mismo ha llegado; presenta una dirección tanto impecable como tangible en cada momento del filme, por otro lado el guión es sumamente sencillo y ronda alrededor de conceptos que parecen inconexos pero que adquieren significado con el transcurso de los acontecimientos, como un poema que relaciona la infancia con la edad adulta y que es recitado por fragmentos durante toda la película. El trabajo de edición funciona bastante bien, aunque la película no está excenta de un toque de redundancia que, sin embargo, es obviado por las demás características de la cinta; entre las que destacan la hechizante fotografía (sepia para las escenas vistas por los ángeles y a color en las que solo aparecen personas), un soundtrack sumamente variado que nos hace sentir en el corazón mismo de la ciudad y actuaciones protagónicas cercanas a la perfección. Más allá del profuno análisis que Wenders hace sobre sus personajes, en esta película se cuestiona la ambiguedad del ser humano, que vive en lo profano rechazando lo sublime y olvida que también en la mundanidad de la vida existe la perfección. Como ya mencioné antes, en el filme se nos presentan las diferencias y similitides entre el adulto y el niño, donde éste está seguro de lo que cree y de quien es. Der Himmel über Berlin reflexiona también sobre el origen de la guerra y, como cada persona se ve a si misma como un país con su propia frontera, la agresión consiste simplemente en acercarse demasiado o en ver a alguien tratar de ser diferente. Pero es hasta la escena final de la película donde tanto el ángel como la trapecistas logran estar juntos al estar solos, cambiando su colectividad por individualidad. El mensaje principal de la película, sin embargo, nos dice que la vida tiene valor por cosas que normalmente ignoramos, por lo que si en lo mayor eres ínfimo en lo pequeño puedes hallar la grandeza. En conjunto, tenemos frente a nuestros ojos una de las mayores joyas del cine europeo de hace unas décadas, una película que se aleja de pretensiones superfluas y muestra sus reflexiones con arte y poesía en cada imagen y en cada palabra. *****