| Movie | Rating | Review | Date | Your Rating | Match | |
|---|---|---|---|---|---|---|
| The Soloist - PG-13 | May 15, 2009 | N/A | ||||
| Monsters vs. Aliens - PG | May 15, 2009 | N/A | ||||
| Earth (Disneynature's Earth) (Planet Earth) - G | May 15, 2009 | N/A | ||||
| Watchmen: Tales of the Black Freighter and Under the Hood - R | May 15, 2009 | N/A | ||||
| Futurama: Into the Wild Green Yonder - Unrated | May 15, 2009 | N/A | ||||
| To Be and to Have (Etre et Avoir) - Unrated |
Documental sobre la educación escolar de niños de 4 años en adelante, así como aquellos que apenas comienzan su educación primaria, en la comunidad rural de Auvergne, Francia. Instruídos en conjunto por el maestro Georges López, cada una de las conmovedoras imágenes de "Ser y Tener" no dejan de sorprender por la paciente labor que el maestro López lleva a cabo día tras día, dedicándose en cuerpo y alma a cada niño que conforma su extenso grupo de enseñanza. El realizador, Nicolas Philibert, sorprende con esta mirada al sistema educativo en la campiña francesa, donde los niños que no sólo tienen que cumplir con sus tareas escolares, sino con las labores del campo. Además de la presencia del profesor López, Philibert no pudo evitar destacar el protagonismo e inteligencia del pequeño Jojo, su travieso alumno que lo mismo sabe sacar fotocopias que contar hasta el número 1,000. Más en pantallanueve.blogspot.com |
May 14, 2009 | N/A | |||
| Inland Empire - R |
Enfrentarse a un filme del inclasificable David Lynch, es una experiencia que puede ser desde inquietante hasta exasperante. Inland Empire (2006) es su más reciente película después de haber dirigido Mulholland Dr. en 2001. En los 5 años entre una película y otra, Lynch se dedicó a la producción de cortometrajes, e incluso dirigió un vídeo musical para Rammstein. La carrera de David Lynch ha tenido altibajos, que incluye filmes muy logrados como The Elephant Man (1980), Blue Velvet (1986) y Mulholland Dr. Inland Empire tiene una premisa argumental muy similar a Mulholland Dr., aunque en su intento de reelaborar la trama de esta última Lynch ha perdido un poco la brújula. Pasadas las primeras dos horas y media del filme, uno llega a la solución del enigma planteado, como sucedía en la vuelta de tuerca final de Mulholland Dr. El mérito del espectador será llegar hasta ese momento. Lynch juega con el tiempo y el espacio fílmicos, volviendo a explorar el film noir y el cuento infantil estilo ?Alice in Wonderland?. Es tan hábil en su estética edición, en su creación de atmósferas y sonidos sobrecogedores, que uno puede caer en la trampa de creer que está ante la gran película del realizador, con todo y su happy-end, cosa que está muy lejos de ser la realidad. Más en pantallanueve.blogspot.com |
May 14, 2009 | N/A | |||
| Tideland - R |
?Advierto una cosa: esta película no va a gustarle. Puede ser que llegue a odiarla, puede llegar a amarla,?con suerte le hará pensar.?, con esta advertencia introductoria de boca del propio Terry Gilliam empieza Tideland (2006), su más reciente película. La advertencia no es para menos. Gilliam nos somete a un cuento infantil que, irónicamente, está lejos de ser para niños. Adaptación de la novela homónima de Mitch Cullin, Tideland es un cuento obscuro, retorcido, surrealista y con mucho humor negro. Terry Gilliam es uno de mis directores favoritos, pero Tideland está lejos de ser lo mejor que ha dirigido el ex Monty Pithon, quien este año estrena nueva película, The Imaginarium of Doctor Parnassus. Lo mejor sigue siendo su visión delirante y surrealista, donde persiste su visión de Fear and Loathing Las Vegas (1998), en especifico durante la primera parte. Rose (Jodelle Ferland) es una niña que vive una tormentosa existencia con sus padres drogadictos. Vemos en esta primera parte cómo Rose (de 10 u 11 años de edad) prepara con suma dedicación la dosis de heroína que se inyectará su padre junkie (Jeff Bridges), un patético cantante de rock. En esta parte prácticamente todo está filmado con encuadres inclinados, y los mismos ambientes enrarecidos de Fear and Loathing. Su madre (Jennifer Tilly), también adicta, le exige a Rose masajes en los pies y piernas, hasta que la muerte de la mujer por una sobredosis obligue al padre y a la niña a emprender un viaje al campo, buscando vivir en casa de su abuela. En esa extraña fascinación que los personajes manifiestan por los muertos (y no me refiero a una fascinación precisamente espiritual), se encuentra el alma de Tideland. Nada más por eso la considero una de las películas más dulcemente enfermizas que haya hecho Gilliam, algo que nada más puede funcionar dentro de su mente inquieta y surrealista. Lástima que esta vez la historia se haya quedado a medias. Más en pantallanueve.blogspot.com |
May 14, 2009 | N/A | |||
| El Arca - Unrated |
No me ha quedado claro a qué público quiso dirigirse el realizador argentino Juan Pablo Buscarini en El Arca (2008), un largometraje animado que se inspira en el bíblico episodio del diluvio universal y el arca de Noe. Lo que sí es seguro, es que no ha sido precisamente al público infantil. La película ha estado lejos de ser lo que esperaba, es decir, un decente entretenimiento familiar para chicos y grandes. Me equivoqué, creo que El Arca es más para el entretenimiento de ?los grandes?, con algunas reservas. Los guionistas Axel Nacher y Fernando Schmidt, decidieron no liarse mucho con la historia del anciano Noe y su titánica misión de construir un arca por mandato de Dios, que llevaría una pareja de cada especie animal para así poblar la Tierra nuevamente. La historia paralela de Noe -que no es la principal- se desarrolla sin muchos problemas. Lo que en verdad me pareció mediocre es la trama de los animales, que arranca con el problema que el anciano rey león debe resolver: mandar a su estúpido hijo Jafet (voz de Alejandro Fantino), el príncipe, junto a la mejor leona para que el linaje real sobreviva. Pero de qué sirve tener buenos recursos técnicos, cuando existen serios problemas en el guión, sin personajes que nos interesen mucho. Es verdad, Jafet debe convertirse en el león maduro, fuerte y responsable que el futuro reino animal necesita, y lo conseguirá con su aventura en el arca. Pero de qué sirve esto si todo lo demás resulta fallido, con personajes que salen sobrando, como ese matrimonio mala leche que aborda el arca, se disfraza de animales y se autonombran ?saltafontes?. Algo cómico, sí, pero no lo suficiente para una película que voluntariamente se aleja del público infantil y que se siente saturada. Más en pantallanueve.blogspot.com |
May 14, 2009 | N/A | |||
| Fly Me to the Moon - G |
El caso de la producción belga Fly Me to the Moon (2008) es el de esa clase de películas animadas que si no se aprecian en 3D, su atractivo se reduce considerablemente. Y se reduce todavía más cuando no hay ideas muy originales de por medio. Su manufactura y técnica de animación son aceptables, a pesar de cierta rigidez y torpeza en los movimientos de los personajes, pero con Fly Me to the Moon nuevamente volvemos al diminuto mundo de los insectos, en específico, el de las moscas. El universo de estas moscas, que viven cerca de Cabo Cañaveral, en Florida, justo en la época en que el Apollo 11 fue lanzado a la Luna, es uno que tiene su particular gracia y simpatía, y sus guionistas no tienen temor de exhibir un poco de escatología. Lo que comen estas moscas es excremento (aunque, claro está, no las veremos comiéndolo), y hay una escena en un restaurante en que vemos cómo lo sirven de las maneras más diversas. La mamá de una de las mosquitas protagonistas también lo sirve como plato principal en su casa, hecha y amueblada con todo tipo de basura. Se puede imaginar esta película como una extensión del universo ya visto en A Bug?s Life o Antz, pero en cuanto a historia y acabado visual está años luz de llegarle a los talones a estas últimas. La secuencia que más me gustó, fue la que se desarrolla en el espacio y la Luna, donde incluso los astronautas originales, Buzz Aldrin y Neil Armstrong (este último, a través de una grabación de su voz), dieron su pequeña contribución a la película. Los escenarios espaciales son impresionantes, incluyendo las vistas de la Tierra y de la Luna. La película es entretenida en su justa medida y tiene su encanto, siempre y cuando se pueda ver en 3D. De lo contrario, sus personajes cliché, villanos fallidos y algunas bromas no muy graciosas, acaban por arrastrarla al mayor de los olvidos. Más en pantallanueve.blogspot.com |
May 14, 2009 | N/A | |||
| The Roaring Twenties - Unrated |
No creo exagerar si afirmo que en The Roaring Twenties (1939) James Cagney interpreta uno de los mejores gangsters de su filmografía, como el malogrado jefe mafioso Eddie Barttlet. Cagney se comía al resto del reparto, que incluía a un joven Humphrey Bogart, antes de que se consolidara como actor en The Maltese Falcon (1941) y Casablanca (1942).
No creo exagerar si afirmo que en The Roaring Twenties (1939) James Cagney interpreta uno de los mejores gangsters de su filmografía, como el malogrado jefe mafioso Eddie Barttlet. Cagney se comía al resto del reparto, que incluía a un joven Humphrey Bogart, antes de que se consolidara como actor en The Maltese Falcon (1941) y Casablanca (1942). The Roaring Twenties intenta ser muchas cosas a la vez: una crónica, de precisión casi documental, de la crisis norteamericana de los años 1920 y 1930, que sirve como marco para la historia ficticia. Es también una magnífica película de gangsters, que presume dos escenas bien dirigidas: la del robo del cargamento de licor al almacén, y aquel enfrentamiento a tiros en el restaurante italiano, contra el mayor enemigo de Eddie, Nick Brown (Paul Kelly). Incluso, hay buenos temas musicales, como ?My Melancholy Baby?, ?Sweet Georgia Brown? e ?It Had to Be You?. Mas en pantallanueve.blogspot.com |
May 2, 2009 | N/A | |||
| Cars - G |
En Cars (2006) entramos en un mundo habitado por automóviles vivos parlantes. En este largometraje animado de la Pixar, coproducida junto a la Disney, tendremos modelos de coches de todas las épocas, incluso un modelo de los años 1920-1930, que será una especie de ancianita, un topolino clásico de los 1960, que será como un apasionado ?sastre? que admira a los Ferrari, y el personaje principal, Lightning McQueen (voz de Owen Wilson), un auto rojo de carreras presumido y que vive cegado por la fama.
La historia de Cars puede verse como el relato de un deportista, que vive más preocupado por su imagen ante los medios, por firmar contratos millonarios con marcas poderosas y, en resumen, por vivir una vida llena de lujos. Esa es la historia de Lightning McQueen, cuya última gran carrera la ha ganado apenas por ?una lengua?. Antes, vemos una escena que simboliza magníficamente como McQueen (atención al apellido, en referencia al actor Steve McQueen), mientras vuela por los aires en cámara lenta recibiendo flashazos y gritos de sus fans, pierde cada vez más el ?suelo?, es decir, la realidad de su vida profesional. No será la mejor película de la Pixar si se le compara con Toy Story, The Incredibles o Finding Nemo, pero visualmente el resultado es, como de costumbre, impresionante. Lo mejor es cómo se ha reproducido con precisión milimétrica la experiencia automovilística de viajar por carretera, de observar los paisajes a través de la ventana, la velocidad exacta a la que avanza el camino con respecto al movimiento de los autos, las carreras son de lo mejor también, etc. No soy un aficionado a los coches, no se prácticamente nada sobre la materia, pero la película me divirtió lo suficiente sin necesidad de saber mucho al respecto. Mas en pantallanueve.blogspot.com |
May 2, 2009 | N/A | |||
| Tsotsi - R |
Durante todo el tiempo que dura Tsotsi (2005), su protagonista principal, el Tsotsi del título (Presley Chweneyagae), nunca esbozará una sonrisa o gesto amable. Tsotsi, sobrenombre con el que lo conocen sus compañeros, quiere decir ?gangster? o ?ladronzuelo? en afrikaneer. Su verdadero nombre nadie lo sabe más que él. Es el rostro de piedra de un joven que no tendrá piedad con quien obstruya su camino, ni siquiera con un indigente inválido o un miembro de su pandilla. Dirigida por el sudafricano Gavin Good, y adaptación de la novela de Athol Fugard, desde el principio de Tsotsi parecerá que nos movemos por los terrenos de Ciudad de Dios (2002). No nada más nos recuerda a la película de Fernando Meirelles en el aspecto visual, sino que, de no ser por los dialectos zúlu y afrikaneer, será como si estuviéramos en alguna favela de Río de Janeiro, cuando en realidad la historia se ambienta en los barrios pobres y marginales de Johannesburgo, Sudáfrica. Tsotsi está lejos de arrojar moralinas gratuitas. No hay necesidad de ello, como tampoco de hacer un profundo estudio social sobre la miseria y el vandalismo. Desde el inicio estamos directamente involucrados en la aventura de Tsotsi, acompañándolo a cada momento en su experiencia de ?padre postizo?, hasta verlo tomar, en la parte final, la más difícil y madura decisión de su vida. Incluso ahí estamos a su lado. Más en pantallanueve.blogspot.com |
April 29, 2009 | N/A | |||
| Akeelah and the Bee - PG |
De las pocas sorpresas que tuve al ver una película de fórmula como Akeelah and the Bee (2006) fue descubrir que la cadena de café Starbucks ha entrado a la producción de cine con su productora Starbucks Entertainment. En efecto, Starbucks coproduce esta feel-good movie en extremo convencional, que de no ser por ciertos nombres de peso en su reparto, como Laurence Fishbourne y Angela Basset, podría ser un telefilme juvenil de fin de semana. La película se centra en los famosos concursos de deletreo de palabras, que tienen lugar entre escuelas secundarias de los Estados Unidos, para llegar a la gran final que tiene lugar en Washington. ?Spelling Bee? es el nombre de los concursos, de ahí el título de la película. Sigue los mismos convencionalismos de las películas producidas por el canal de música MTV, es decir, historias protagonizadas por chicos y chicas negros (aunque también caben orientales y latinos), normalmente de clase social baja y provenientes de hogares conflictivos. Ese es el entorno de Akeelah (Keke Palmer), chica adolescente que sufre por la ausencia de su padre fallecido, y que destaca por su facilidad para deletrear correctamente una gran cantidad de palabras, casi todas muy complicadas. El mensaje de unión, amistad y fraternidad es bien recibido. Realmente sentimos la química entre ?maestro? y ?alumna?, que ambos están destinados a encontrarse y a llenar uno al otro las pérdidas emocionales que sufren. Pero lo peor, es que no me creí en lo más mínimo el final, todavía más inocente, y que por supuesto no revelaré para quienes estén interesados en ver la película. Más en pantallanueve.blogspot.com |
April 22, 2009 | N/A | |||
| Sleeping Beauty - G |
Hacía tanto tiempo que la había visto, que apenas y recordaba algo de Sleeping Beauty (1959). Aprovechando una de sus retransmisiones por televisión, en una aceptable versión restaurada, me reencontré con un clásico cuento de hadas que, para quien tenga mucha disposición, puede seguir siendo disfrutable en este siglo XXI. Por cierto, este año se cumplen 50 años de esta producción de la Disney, realizada por el italiano Clyde Geromini, el mismo que dirigió años antes Peter Pan (1953), Lady and the Tramp (1955), y posteriormente One Hundred and One Dalmatians (1961). Como sucede con Cinderella (1950), también dirigida por Geromini, Sleeping Beauty es un cuento pensado y escrito específicamente para las niñas. Lo mejor de la película era la música, en especial ese número musical que la princesa Aurora (voz de Mary Acosta) cantaba en medio del bosque, en compañía de los animales de rigor (búho, ardillas, pájaros, etc), y que en realidad era una adaptación del ballet de ?La Bella Durmiente? de Tchaikovsky, el leit motiv musical. Gracias a esto, la película, de apenas 1 hora y 20 minutos de duración, sigue manteniendo su encanto, principalmente por esa dulce y romántica tragedia que le ocurría a la joven princesa, y por la música de Tchaicovsky, que le agregó personalidad a una, más bien, convencional técnica de animación. Más en pantallanueve.blogspot.com |
April 22, 2009 | N/A | |||
| The Libertine - R |
The Libertine (2006) inicia con Johnny Depp mirando de frente a la cámara, metido completamente en el personaje del escritor británico John Wilmot, dando una advertencia contundente. ?No voy a gustarles,...de hecho, no quiero?. Wilmot Luce como una espectral figura, inevitablemente se convertirá en un muerto viviente al final. Lejos de ser una biopic, The Libertine, opera prima del director Laurence Dunmore, es un esbozo del controversial Wilmot, quien en la Inglaterra del siglo XVII causó polémica por su obra literaria de alto contenido erótico. Se ganó la enemistad con buena parte de la sociedad de su época por haber criticado al rey Carlos II (John Malcovich casi irreconocible y uno de los productores), su amigo y protector, por una obra teatral encargada por el monarca al escritor. Desgraciadamente, la película está lejos de colocarse a la altura de la actuación de Johnny Depp. Dunmore no expone una dimensión más completa del Wilmot artista y su obra. Formalmente, resulta magnífica la fotografía de Alexander Melman, sostenida en su mayoría por una iluminación a base de velas y mucha luz natural. El magistral y soberbio trabajo se extiende además a interesantes movimientos de cámara, en especial, en las escenas dentro del teatro. Más en pantallanueve.blogspot.com |
April 15, 2009 | N/A | |||
| Jet Li's Fearless (Huo Yuan Jia) (Legend of a Fighter) - PG-13 |
Desconozco casi la totalidad de la filmografía del realizador hong-konés Ronny Yu. Lo único que conozco son los churros Freddy VS Jason (2003) y Bride of Chucky (1998). Me ha bastado ver su más reciente película, Sin Miedo (Huo Yuan Jia, 2006), para convencerme de que Yu es un director con un gran sentido de la acción y entretenimiento en pantalla. Yu tiene en su haber muchos filmes de artes marciales, como alguno que hizo con el desaparecido Brandon Lee, Long zai jiang hu (1986). Sin Miedo amplía la lista de filmes sobre kung-fu de Ronny Yu. Como su título original indica, esta película es una especie de biopic sobre uno de los grandes maestros chinos de las artes marciales, Huo Yuan Jia, quien a finales del siglo XIX desarrolló el arte del wushu hasta sus máximas consecuencias. Huo lo hizo sin el consentimiento de su padre, teniendo que entrenarse a sí mismo desde niño. Además, Huo fue el fundador de la federación deportiva Jingwu a principios de siglo XX, época en que China estaba pasando por su peor momento cultural, social y económico. Dicha federación se fundó bajo los ideales de una China ?unida y fraternizada?, que trabajara por su propio bienestar y desarrollo, frente a la imparable colonización occidental. La película funciona en sus dos vertientes, es decir, como un espectacular y bien producido filme de artes marciales, así como un serio acercamiento a la figura de Huo, sin muchas solemnidades de por medio. Más en pantallanueve.blogspot.com |
April 10, 2009 | N/A | |||
| Chapter 27 - R |
En Chapter 27 (2008) es la primera vez que se intenta hacer una minuciosa dramatización sobre la planeación y ejecución del asesinato de John Lennon, el 8 de diciembre de 1980, una de las figuras musicales más controversiales e importantes del pasado siglo XX. Esta ?planeación? fue llevada a cabo tan sólo por un hombre perturbado, Mark David Chapman, interpretado por Jared Leto, con seguridad uno de sus mejores y más interesantes interpretaciones de toda su carrera. La transformación física de Leto es impresionante, al haber engordado lo suficiente para encarnar al asesino más odiado de los últimos tiempos. Dejó a miles de fans llorando en el mundo por una pérdida irreparable.
Se ha especulado mucho de este asesinato, como que fue ordenado por la CIA al considerar a Lennon un agitador ?peligroso? políticamente hablando en los E.U. La teoría que se aventura en Chapter 27, del realizador J.P Schaefer, es que Chapman actuó solo, empujado no nada más por su estado mental megalómano, obsesivo e intolerante, sino inspirado por la novela The Catcher in the Rye, del escritor J.D. Salinger, publicada en 1951. Es un libro clásico, que se deja leer de manera obligatoria a muchos estudiantes estadounidenses. Con el asesinato de Lennon, Chapman creía que escribiría su propio "Capítulo 27" adicional en la novela de Salinger, la cual tenía únicamente 26 capítulos. Sería una equivocación pensar que estamos ante un intento de humanizar a Chapman, de ponernos de su lado para comprender porqué lo hizo. Es verdad, hay instantes en que Chapman nos parece un gordito medio simpático, medio amistoso; tímido y quizás agradable. Schaefer quiso que viéramos los dos lados de la moneda. Pero si eres admirador de Lennon (como yo), lo odias desde el principio, quieras o no. Mas en pantallanueve.blogspot.com |
April 9, 2009 | N/A | |||
| Gran Torino - R |
Tanto Gran Torino (2008) como Changeling (2008), los más recientes filmes de Clint Eastwood, se estrenaron con poco tiempo de diferencia. De las dos parecería que Gran Torino es un filme menor, junto a Changeling, una más cargada producción de época y con un reparto con estrellas de la talla de Angelina Jolie y John Malkovich. Pero a pesar de estas diferencias de producción, Gran Torino es un gran trabajo de Clint Eastwood, rodada en poco tiempo y con un presupuesto reducido.
Solamente Clint es capaz en una película de estas características, amalgamar, de manera sutil y magistral, elementos del melodrama con los del western más común. El suburbio en el que vive su personaje, Walt Kowalski, es como un pueblo del lejano oeste, en el que habitan inmigrantes orientales y ?villanos?, también orientales, que llegan a perturbar la paz regularmente en esa tranquila calle. Clint encarna una autoparodia de sus personajes rudos de policía que ha hecho en el pasado. Walt bien podría ser un policia retirado. Es gracioso no porque Walt quiera serlo, sino porque su misma vida, estado emocional y circunstancias lo hacen ser así; en lo que dice, en sus ácidas observaciones y críticas hacia sus vecinos, en esos gruñidos que les lanza de lejos nada más se atreven a pisar su césped, en su afición por la cerveza, etc. Walt será capaz de todo por la cerveza, al grado de aceptar una invitación a comer en la casa de la familia hgmon. Walt es el anciano gruñón y malhablado que uno no puede resistirse a cambiar, para sacar la bondad que puede tener oculta debajo de toda esa amargura. Mas en pantallnueve.blogspot.com |
April 9, 2009 | N/A | |||
| La Vie en Rose (La Mome) - PG-13 |
Podría parecer que La Môme (2007) es una biopic convencional sobre Edith Piaf. Lo es en cierta medida, pero lo que distingue a esta producción francesa dedicada a una de sus cantantes más famosas del siglo pasado (a la que apodaban ?el ruiseñor?), es su impecable diseño de producción y ambientación, que abarca varios periodos en la vida de Piaf.
Marion Cotillard encarna a Edith Piaf con sorprendente maestría, un personaje de por sí demandante. La joven actriz sabe reflejar estupendamente los periodos de crisis de la cantante, su adicción por las drogas y el alcoholismo, que comenzó a afectar su vida desde muy temprana edad. Lo original de esta biopic, dirigida por Olivier Dahan, es la forma en la que está contada. Sus tres narraciones corren en paralelo: el tiempo ?presente? arranca durante una gira en los E.U. a finales de los 1950, donde empieza a sentirse débil de salud, luego un largo flash-back a su niñez y adolescencia, en la que vivió una pobreza extrema y adoptada temporalmente por una prostituta; y el tercer tiempo es el de Piaf anciana y a punto de morir. Hay una escena notable, la que más me impresionó en toda la película, un plano secuencia que inicia con Piaf despertando en su cama, con la sorpresa de ver al amor de su vida, un boxeador de cierta fama, regresar a visitarla. Ella recorre toda su casa buscando un regalo, mientras los ahí presentes la miran extrañados. Una dura sorpresa vendrá después para ella. Es verdad que esta biopic de Edith Piaf, quien presumía compartir cumpleaños con Billie Holiday, no enseña nada nuevo. Es la clásica historia de sufrimiento de cantantes y músicos afectados por las drogas y el alcohol, que caen y se levantan gracias a la fuerza de su arte y talento. Pero verla magistralmente actuada por Marion Cotillard, ganadora del Oscar Mejor Actriz el pasado año, ya es otra cosa. Mas en pantallanueve.blogspot.com |
April 9, 2009 | N/A | |||
| The Descent - R |
The Cave (2005) y The Descent (2005), este último un largometraje del realizador británico Neil Marshall, son películas muy similares en su argumento. Durante poco más de media hora, un puñado de personajes nada más exploran y exploran los obscuros túneles y rincones de una caverna. La diferencia en The Descent, es que esta sí logra levantarse de su letargo argumental, con una claustrofóbica y terrorífica propuesta que pisa los terrenos gore. The Descent es una pequeña producción británica. Con pocos recursos, logra arrancarnos algunos sustos, cuando un grupo de seis chicas guapas quedan atrapadas en una caverna, de la cual su irresponsable y adrenalínica guía no sabrá cómo sacarlas. Todas tendrán que internarse en la obscuridad para descubrir que no están solas ahí dentro. No todo es un sangriento juego del ?gato y el ratón? dentro de las cavernas. Por fortuna, los personajes resultan algo interesantes, alguna de las chicas muestra su lado obscuro y ambicioso; otra su lado salvaje, convirtiéndose una en un peligro para la otra. A diferencia de The Cave, Marshall, su fotógrafo Sam McCurdy y el compositor David Julyan, sí crean un sofocante y cavernoso ambiente, sin que este artificio sobrepase la notable puesta en escena, en un interesante filme de terror de los que no abundan mucho hoy en día. Más en pantallanueve.blogspot.com |
April 5, 2009 | N/A | |||
| Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus - R |
En Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus (2006), reciente filme del realizador Steven Shainberg (Secretary), se rescata la figura de una de las fotógrafas más controversiales de la historia de la fotografía estadounidense, Diane Arbus, famosa por sus retratos de gente marginal, deforme, enfermos mentales, enanos, siamesas, travestis, prostitutas, etcétera. Para los que busquen un reflejo fiel de la vida de Diane Arbus, la película de Shainberg, basada en el libro de Patricia Bosworth, está lejos de ser el material indicado. Para eso están los libros de Historia de la Fotografía, o el famoso libro de Susan Sontag, ?On Photography?, donde le dedica un capítulo a Diane Arbus.La buena actuación de Nicole Kidman, su belleza, así como el siempre eficiente trabajo de Robert Downey Jr. (soportando llevar el rostro cubierto de pelo casi toda la película), son los escasos puntos fuertes de esta quizás demasiado ficticia película sobre Diane Arbus. Claro, tan imaginaria como su título original indica. Shainberg dota de mucho atractivo visual a su película, en uno de esos relatos sobre perversiones sexuales que gusta de filmar, como en Secretary. Sólo que en Fur no va tan lejos como en su anterior película. Fur goza también de la elegante fotografía de Bill Pope, y la historia, en realidad, está más inclinada a llevarnos a ser testigos de la liberación sexual de Arbus, que a su vida como fotógrafa. Me hubiera gustado ver más de esto último. Más en pantallanueve.blogspot.com |
March 30, 2009 | N/A | |||
| The Boy With Green Hair - Unrated |
Al inicio de The boy with green hair (1948) vemos a un niño con la cabeza completamente afeitada, mientras es interrogado por la policía para saber de dónde venía o qué era lo que le pasaba. Nadie podía sacarle una sola palabra. Parecía que todo el drama de este niño tenía que ver con la pérdida de su cabello, sea por alguna enfermedad o por su propia decisión de raparse. A Peter Frye (un niño Dean Stockwell, el ?holograma? en la teleserie Quantum Leap, o el mafioso de Blue Velvet) se le puso el cabello verde de la noche a la mañana, inexplicablemente. Por más esfuerzos que su abuelo, Gramp (espléndido Pat O?Brien) hizo para que desapareciera el extraño color, nunca se le pudo quitar. Sin embargo, el problema del cabello verde de Peter no llega a tener la trascendencia que presumen estas lecturas. La cinta tampoco aterriza mucho como musical, en la única escena cantada que tenía. Pero el trabajo de Dean Stockwell era bueno, es uno de los papeles más memorables de su carrera. Si el guión no llega a funcionar del todo, el mensaje pacifista y de tolerancia era bien recibido. Más en pantallanueve.blogspot.com |
March 24, 2009 | N/A | |||
| Flushed Away - PG |
Flushed Away (2006) es el primer largometraje animado de los estudios británicos Aardman realizado totalmente con técnica digital, y en coproducción con Dreamworks. Para los admiradores (que todavía los hay y muchos) de la técnica artesanal del stop-motion, no hay por qué espantarse por este inesperado giro de la Aardman. A pesar de estar hecha digitalmente, la intención estética de la película es que siga luciendo como si sus personajes estuvieran hechos de plastilina. Además, sus personajes guardan el característico diseño y estilo de animación de la casa Aardman, creadores de Wallace & Gromit. La historia se ubica en Londres, en el exclusivo barrio de Kensington, donde habita un refinado ratón, Roddy (voz de Hugh Jackman), como mascota de una niña. Sus problemas comienzan cuando la familia sale de vacaciones y su territorio sea ?invadido? por un ratón regordete. En su lucha por querer deshacerse del invasor, ambos acaban yéndose por el drenaje, para luego descubrir la ciudad subterránea de Ratónpolis, un mundo donde conviven ratones y ratas, junto a cucarachas, babosas cantarinas y demás alimañas. Un grupo de babosas cobardes y musicales casi se roban la película durante sus numerosas apariciones. Puede ser que haya instantes ?sobre todo al final- inverosímiles en su clímax, pero si algo me sorprendió cuando la vi en cine fue constatar cómo la película mantuvo callados y atentos a los niños presentes. Más en pantallanueve.blogspot.com |
March 24, 2009 | N/A | |||
| Paris - R | March 21, 2009 | N/A |
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